Apuntes de Frank Gehry (Sketches of Frank Gehry)

Proyeccion: martes 10/10 a las 20 hs. en el Colegio de Arquitectos de Pergamino.


Titulo: Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)
Dirección: Sydney Pollack.
Productor: Ultan Guilfoyle.
Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.
Editor: Karen Schmerr.
Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.


Sinopsis
El director de cine Sidney Pollack, nos lleva a descubrir a partir de los sketches (los dibujos/ borradores) del arquitecto Frank Gehry, no solo la génesis de su obra, sino que nos introduce en el proceso creativo de uno de uno de los arquitectos, más interesantes e influyentes de nuestro tiempo.

Formas de Hacer

Sydney Pollack como hombre del cine ha dirigido, entre otras, La intérprete, Caprichos del destino, Sabrina (y sus amores), La tapadera, Memorias de África, Tootsie, Ausencia de malicia, El jinete eléctrico, Los tres días del cóndor, Tal como éramos, Las aventuras de Jeremiah Johnson, y Danzad, danzad malditos. Ha sido galardonado con el Premio de la Crítica de Nueva York por Tootsie (1982), el Premio David di Donatello por Los tres días del Cóndor, dos Globos de Oro al Mejor Realizador, el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos, además de ganar premios en los festivales de Bruselas, Belgrado, San Sebastián, Moscú y Taormina. Fue presidente del jurado de Cannes, y Francia le nombró Comandante de la Orden de las Artes y las Letras.
Según el Instituto de Cine Americano, Tootsie es la segunda mejor comedia de todos los tiempos, y ha incluido a Tal como éramos y Memorias de África entre las Cien Mejores Películas Románticas. En 2000 fue galardonado con el Premio John Huston del Sindicato de Directores de América que entrega la Artists Rights Foundation. Como actor, ha trabajado en Maridos y mujeres, de Woody Allen; El juego de Hollywood, de Robert Altman; La muerte os sienta tan bien, de Robert Zemeckis; A Civil Action/Acción civil, de Steven Zaillian; Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick; Al límite de la verdad, de Roger Michell, y más recientemente, Fauteuils d’orchestre, de Danièle Thompson. En 1985 fundó Mirage Productions con la que ha producido entre otras, Presunto inocente, Los fabulosos Baker Boys, Pasión sin barreras, Una mujer en la liga, Morir todavía, En busca de Bobby Fisher, Sentido y sensibilidad, El talento de Mr. Ripley, y Cold Mountain. Es miembro fundador del Sundance Institute, presidente emérito de la Cinemateca Americana, uno de los fundadores de The Film Foundation del Sindicato de Directores de América y miembro del consejo de administración de la Motion Picture and Television Fund Foundation.

El cineasta Sydney Pollack ha realizado su primer largometraje documental sobre el famoso arquitecto Frank O. Gehry. Una profunda amistad une a los dos hombres desde hace tiempo. El rodaje de la película empezó en 2000 y se alargó durante cinco años. A Frank Gehry le gusta hacer apuntes; así empieza su trabajo de arquitecto. Esa inclinación por los apuntes ha guiado a Sydney Pollack para escoger el estilo del documental. Tomando como punto de partida los apuntes originales que Gehry realizó para cada uno de sus grandes proyectos, el documental explora el proceso que sigue el arquitecto para transformar ese primer apunte abstracto en materia tangible, una maqueta tridimensional construida normalmente con cartón y celo, antes de convertirlo en un edificio de titanio y vidrio, de hormigón y acero, de madera y piedra. Para captar el aspecto “esbozado” del documental, Sydney Pollack ha rodado en dos soportes, película y mini DV (vídeo digital). Gracias a este acercamiento discreto y a las numerosas horas que pasó en casa de Gehry, en su estudio de arquitectura y en los edificios, el director ha podido plasmar la esencia del singular trabajo arquitectónico y la personalidad tímida y misteriosa de Frank Gehry. Como contrapartida al aspecto deliberadamente informal, esbozado, del rodaje en vídeo, Sydney Pollack ha puesto mucho cuidado a la hora de captar para el cine la grandeza de las obras de Frank Gehry, desde el primer edificio que diseñó, un pajar en California, hasta las construcciones que se cuentan entre las más impresionantes de la era moderna, como el Museo Guggenheim de Bilbao y la Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles. El diálogo entre Sydney Pollack y Frank Gehry es íntimo, tal como se espera de tan larga amistad, y nos acompaña cual suite melodiosa por toda la película. El núcleo del documental se basa en el carácter discreto e informal de las conversaciones entre los dos hombres y con otros participantes. La película no trata de una teoría arquitectónica en vías de desaparición. Al contrario, el realizador tiene el don de desnudar la teoría arquitectónica, abriendo nuevas perspectivas sobre la vida de este arquitecto extraordinario y de su proceso creativo.

Fuente: http://www.golem.es/

Sobre la Forma (Ludwing Mies van der Rohe)

Carta escrita a Walter Riezler y originalmente publicada en la revista Die Form en el año 1927.
El texto que comparto con ustedes fue publicado en inglés por Philip Johnson en el libro "Mies van der Rohe" (1953).

"Estimado Sr. Riezler:
Mi ataque no es contra la forma, pero sí contra la forma como una finalidad en si misma.
Hago este ataque desde lo que he aprendido.
Forma como un fin inevitablemente resulta en un mero formalismo.
Este esfuerzo está dirigido solo en el exterior.
Pero solo lo que tiene vida en el interior tiene una vida exterior.
Solo lo que tiene intensidad de vida puede tener intensidad de Forma.
Cada “como” está basado en un “que”.
Lo sin-forma no es peor que lo sobre-formado*.
Lo primero es nada, lo segundo es mera apariencia.
La Forma verdadera presupone vida verdadera.
Pero no un “ha sido” o “pudo ser”.
Éste es nuestro criterio:No debemos juzgar demasiado el resultado como sí de proceso creativo.
Porque es así que se revela si la forma ha sido derivada de la vida o inventada para su propio propósito.
Es por eso que el proceso creativo es tan esencial.
La vida es lo que debe ser decisivo para nosotros.
En toda su plenitud y en sus relaciones espirituales y materiales."

Notas:
* Texto original: "The un-formed us no worse than the over-formed."

El vientre del arquitecto

Proyeccion: el martes 13/10 a las 20 hs. en el Colegio de Arquitectos.





La vision de todo arquitecto

La película de Peter Greenaway El vientre del arquitecto (1987) contiene numerosas referencias a la obra de Étienne-Louis Boullée.
Étienne-Louis Boullée (París, 12 de febrero de 1728 - id. 4 de febrero de 1799) fue un visionario arquitecto francés del Neoclasicismo, cuya obra influyó mucho en los arquitectos contemporáneos y aún hoy en día es considerada importante, al mirar los grandiosos y soberbios proyectos arquitectónicos de Étienne-Louis Boullée, el arquitecto visionario, no se puede dejar de asociarlos a sinfonías también grandiosas. ¿Deformación visual o auditiva?Nacido en París, hijo de un arquitecto, estudió pintura pero luego se pasó a la arquitectura por petición paterna. Estudió con Jacques-François Blondel, Germain Boffrand y Jean-Laurent Le Geay, de quienes aprendió el estilo de arquitectura clásica francesa predominante en los siglos XVII y XVIII y el Neoclasicismo hacia el que evolucionó a mediados de siglo.
En 1762 entra a formar parte de la Academia Real de Arquitectura de París y se convirtió en el arquitecto en jefe de Federico II el Grande de Prusia, un título en gran medida honorario. Diseñó una serie de casas particulares desde 1762 hasta 1778, aunque la mayor parte de ellas ya no existen; entre los ejemplos supervivientes destacan el Hôtel Alexandre y Hôtel de Brunoy, ambos en París. Junto a Claude Nicolas Ledoux fue una de las más influyentes figuras de la arquitectura neoclásica francesa.
Su mayor impacto lo provocó como maestro y teórico en la École nationale des ponts et chaussées entre 1778 y 1788, desarrollando un estilo geométrico abstracto distintivo inspirado por formas clásicas. Su obra se caracterizó por la eliminación de toda la ornamentación innecesaria, hinchando las formas geométricas hasta una escala enorme y repitiendo elementos como columnas en grandes series.
Su proyecto más célebre es el Cenotafio para Isaac Newton (1784), cuyos dibujos y esbozos se conservan en la Biblioteca Nacional de Francia. Este diseño representa uno de los iconos de la llamada arquitectura visionaria. Ejemplifica su estilo de manera destacada. El cenotafio sería una esfera de 150 metros de alto hundida en una base circular y cubierta de cipreses, en cuyo interior debía lucir permanentemente un sol artificial. Un cenotafio es una tumba vacía, un monumento funerario en honor a una persona.. Aunque la estructura no se construyó nunca, su diseño fue grabado y circuló ampliamente en círculos profesionales Las ideas de Boullée tuvieron una gran influencia entre sus contemporáneos, no sólo por su papel como maestro de otros arquitectos importantes como Jean Chalgrin, Alexandre Brongniart, y Jean-Nicolas-Louis Durand, si no por su faceta de tratadista y arquitecto visionario. Parte de su obra sólo vio la luz del día en el siglo XX; su libro Architecture, essai sur l'art («Ensayo sobre el arte de la arquitectura»), defendiendo un neoclasicismo con un compromiso emocional, sólo se publicó en 1953. El volumen contenía su obra desde 1778 hasta 1788, que en su mayor parte comprendía diseños de edificios públicos en una gran escala totalmente impracticable.
La INCLINACION de Boullée por los diseños grandiosos ha hecho que se le caracterice como megalomaníaco y visionario. Su foco sobre la polaridad (contrarrestando elementos de diseño opuestos) y el uso de la luz y la sombra era muy innovador, y sigue influyendo a arquitectos de hoy en día. Fue «redescubierto» en el siglo XX y ha influido a arquitectos recientes como Aldo Rossi.

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El vientre del arquitecto película dirigida por Peter Greenaway y estrenada en el año 1987


Argumento
Storuley Kracklite es un prestigioso arquitecto norteamericano que viaja en tren a Roma junto a Louise, su mujer, y que al traspasar la misma frontera italiana engendrarán un hijo.
Una vez en la capital italiana monta una exposición en honor del arquitecto utopista francés del siglo XVIII Etienne-Louis Boullée, de quien se conservan muchos planos de edificios nunca terminados . Kracklite , sin motivo aparente, comienza a sufrir fuertes dolores en el vientre, llegándose a sospechar que padezca de cáncer. Ese será el punto de partida de su declive. En su camino irrumpirán los Speckler, una família rival que conspirarán dispuestos a provocar su ruina. Esta familia corrupta lo ayudará en el montaje de la muestra y utilizará en beneficio propio los dineros destinados al evento, ademas, Caspasian, el mayor, le disputará no solo el amor de su mujer, sino también la concesión de un importante proyecto. Flavia, fótografa y espía, se convertirá su sombra en Roma y documentará sus momentos más turbios en la capital italiana y Io será el promotor de una serie de intrigas que amenazan con anular los fondos destinados para la exposición. Ante la desazón que le produce su situación laboral y personal, comienza a adentrarse en un camino de neurosis e introspección personal, que interpreta magistralmente el actor Brian Dennehy -bajo la virtuosa mano del director Peter Greenaway- y que nos conduce silenciosamente hacia una agónico desenlace, gracias a los delirios de lucidez en que se encuentra aislado en medio de una atmósfera greco-romana. En este valioso metraje de culto, donde básicamente se retrata la búsqueda de la belleza en medio de la podredumbre de toda materia desde la perspectiva del "tempus fugit", el director galés completa una de sus mejores películas.

El manantial

Proyeccion: el martes 22/09 a las 20 hs. en el Colegio de Arquitectos.

TEXTO INTRODUCCION

EL MITO DE SISÍFO

Es Albert Camus(*) quien analiza el mito de Sísifo para destacar como lo absurdo y la dicha son inseparables y forman parte de la condición humana. Los dioses habían condenado a Sísifo a rodar para siempre una roca hasta la cima de una montaña desde donde volvía a caer por su propio peso. Habían pensado que no hoy castigo más terrible que el trabajo inútil y sin esperanza. Se le reprochaba a Sísifo haber revelado los secretos de los dioses. También haber encadenado a la Muerte y querer disfrutar de los placeres de la Tierra. Es por ello que su desprecio de los dioses, su odio a la muerte y su apasionamiento por la vida le valieron ese suplicio. Si este mito es trágico, lo es por que Sísifo tiene conciencia. De esta manera lo que debería constituir su tormento es al mismo tiempo su victoria. El mito nos enseña que todo no es ni ha sido agotado. El destino es un asunto humano que debe ser arreglado entre humanos. La alegría silenciosa de Sísifo es por que su destino le pertenece. Lo importante es el esfuerzo por llegar a la cima. Lo importante es la lucha. En esa lucha vence a los Dioses. Por ello escribe Camus "...Así, persuadido del origen enteramente humano de todo lo humano, ciego que desea ver y que sabe que la noche no tiene fin, está siempre en marcha. La roca sigue rodando...Sísifo enseña la fidelidad superior que niega a los dioses y levanta las rocas. El también juzga que todo está bien. Este universo en adelante sin amo no le parece estéril ni fútil." En este camino absurdo Sísifo puede encontrar la dicha de que es posible construir un mundo sin dioses donde lo que importa es la pasión por la vida.


Sísifo: el deseo de la voluntad(Editorial N° 20 agosto-octubre 1997, Topía Revista)

(*) Camus Albert. El mito de Sísifo. Ed. Losada.
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Se podria pensar algunos aspectos de la pelicula como posible remembranza del mito de sisífo, claro que esa idea deber abrevar en la comparacion entre el ejercicio profeional cotidiano y las busquedas idilicas de lo aprehendido.


El manantial (película)
Título: El manantial (The Fountainhead)
Dirección. : King Vidor
Guión: Ayn Rand
Reparto: Gary Cooper(Howard Roark) Patricia Neal (Dominique Francon) Raymond Massey (Gail Wynand) Kent Smith (Peter Keating)País(es) : Estados Unidos
Año: 1949
Género: Drama Duración: 114 minutos

Notable film de King Vidor. Escribe el guión Ayn Rand, que adapta su novela “The Fountainhead” (1943). Se rueda en escenarios naturales de California y en los platós de Warner Studios. Producido por Henry Blanke para la Warner, se estrena el 2-VII-1949 (EEUU).La acción dramática tiene lugar en NYC y Connecticut, en 1948-49. Howard Roark (Cooper) es un joven profesional que cree que la arquitectura está abierta a la renovación e innovación y que la repetición de las soluciones de siempre es empobrecedora. Dotado de una gran capacidad creativa, defiende sus ideas y propuestas con firmeza. Prefiere trabajar como picador en una cantera de granito, que aceptar componendas y sumisiones a las pautas convencionales. En Connecticut conoce a la rica heredera Dominique Francon (Neal), joven, soltera, caprichosa, voluntariosa y apasionada. Él es joven, honesto, íntegro, individualista, idealista y luchador.El film suma drama y romance. Desarrolla la historia de un profesional que se comporta de modo inflexible ante las presiones personales, profesionales y económicas, encaminadas a obligarle a hacer concesiones a lo convencional, la mediocridad, el inmovilismo, el mal gusto y el capricho de los inversores. Exalta los valores del individualismo y de la lucha personal a favor de la integridad profesional y artística. Critica el colectivismo y sus diferentes formas de manifestarse (gregarismo, moda...) y de imponerse políticamente y socialmente. Ayn Rand (1905-1982), nacida en San Petersburgo, se exilió en EEUU y adquirió la nacionalidad norteamericana. Fue una defensora tenaz de los derechos y valores del individuo frente a la colectividad. Como guionista intervino en el rodaje del film con un grado similar de intransigencia que el del protagonista. No aceptó ninguna modificación del texto y no quedó satisfecha del resultado. La novela tuvo gran difusión en EEUU en los últimos años de la IIGM y notable aceptación entre los soldados norteamericanos que participaban en la contienda. La figura del protagonista se inspira en la del arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959).Al mismo tiempo la obra desarrolla una tempestuosa, compleja y tórrida historia de amor, que aporta al relato una interesante y atractiva atmósfera de tensión sexual, que se erige en uno de los elementos protagonistas de la cinta. Se ve reforzada por el uso de símbolos fálicos (martillo automático de la compresora, rascacielos en forma de torre visto en planos contrapicados), sueños y escenas metafóricas. El primer encuentro de Dominique y Howard en las canteras a cielo abierto de granito gris de Connecticut, bajo la luz cegadora del sol de mediodía y el calor abrasador del verano, sirve de alegoría de las pasiones que se desencadenan entre los dos personajes.
El manantial es una película basada en la novela El manantial, de Ayn Rand. Sigue fielmente la trama argumental básica de la novela, aunque, como es lógico, dejando fuera muchas subtramas del libro.
Fue realizada en 1949, dirigida por King Vidor y está protagonizada por Gary Cooper (Howard Roark), Patricia Neal (Dominique Francon), Raymond Massey (Gail Wynand) y Kent Smith (Peter Keating).
El guión fue escrito por Ayn Rand, y controlado minuciosamente por ella misma de una forma completamente desacostumbrada en Hollywood, donde los estudios se toman todo tipo de libertades con los guiones originales. En varias ocasiones durante el rodaje, Ayn amenazó con suspender todo el proyecto si el guión sufría la más leve modificación.
Ayn Rand quería que los diseños arquitectónicos que aparecen en la película fuesen hechos por Frank Lloyd Wright, el arquitecto real que inspira parcialmente al arquitecto de ficción, Howard Roark. Lloyd Wright pedía tanto dinero por sus diseños que los estudios vetaron esta posibilidad.
El filósofo marxista Slavoj Žižek ha dicho que El Manantial es "la mejor película estadounidense de todos los tiempos".[1]
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Resulta interesante pensar como Frank Lloyd Wright "pensaba" la arquitectura y relacionarlo con el como se introduce a este mundo de la imaginacion y los hechos construidos que es la arquitectura:

Dones de Fröbel
En 1816, declinando un puesto de profesor de mineralogía en Estocolmo, Fröbel fundó su primera escuela para niños.Fundó el kindergarten. Para ser breve y no extenderme demasiado, creó una metodología de enseñanza gradual con la que el maestro, mediante lecciones sucesivas, denominadas Dones, iba creando en el niño una relación comprensiva con el mundo a través de sus diferentes reinos o categorías fundamentales.
Formas de la naturaleza (o vida), Formas del conocimiento (o ciencia), Formas de la belleza (o arte). Las formas de la vida, árboles casas o sillas,las formas del conocimiento, operaciones matemáticas simples como sumas o restas,las formas del arte eran usualmente patrones simétricos, etc.
Los chicos creaban sus composiciones en unas tablillas cuadriculadas sobre las cuales, a partir de formas geométricas simples como el triángulo, el círculo o el cuadrado recortadas en chapadur, alcanzaban diseños de mayor complejidad.El método, creado alrededor de 1840, se extendió por toda Europa y hacia fin de siglo de había impuesto absolutamente. Por supuesto que en la escuela Normal de nuestro país, cuyos planes de estudio fueron de vanguardia, desde principio del siglo XX las maestras eran instruidas en el dominio del método.Uno de los primeros educados con los preceptos del kindergarten y, uno de los pocos que posteriormente escribiera acerca de sus primeras experiencias fue Frank Lloyd Wright.
Dice Wright en sus memorias:”…Mi madre entendió que Fröbel enseñaba que era conveniente que los chicos no dibujaran a partir de las apariencias de la naturaleza hasta que no tuviesen un cierto dominio de las formas básicas que yacían escondidas detrás de dichas apariencias. Habiéndonos mudados hacia la costa Este a la edad de tres años debido al traslado pastoral de mi padre, durante varias temporadas me senté con mi pequeña tabla de kindergarten y, mediante el uso de suaves bloques de madera de cedro jugué dentro de la grilla cuadrangular de la tablilla. Allí estaban el cubo, la esfera y el tetraedro, también los triángulos de chapadur rojo con un lado color blanco con los cuales diseñaba según mi propia imaginación. Eventualmente hacía mis diseños con otros medios, pero los suaves triángulos de chapadur y los bloques de madera de cedro fueron los más importantes. Todos ellos estuvieron en la punta de mis dedos desde entonces hasta hoy… prontamente me convertí en un experto constructor de patrones a partir de todo lo que veía. Aprendí a “ver” de esa manera y, cuando lo tuve que hacer, no me importó dibujar los incidentes casuales de la naturaleza. Yo quería diseñar.”
La cita anterior está extractada del inglés y en su relato Wright utiliza los términos dibujo y diseño con la propiedad con la que se los conoce en nuestras escuelas de arte o arquitectura. Más desvirtuado está entre nosotros el término composición, muy específico en las artes en general y relacionado con la particular manera de estructurar toda obra que se precie de tal. “Composición, composición, ese es la única definición del arte. La composición es estética, y lo que no está compuesto no es una obra de arte”, nos disparan Deleuze y Guattari en “Qué es la filosofía”.
Si Wright hubiera sido la única celebridad del mundo de la cultura que reconociera la influencia del kindergarten, de todas maneras estaríamos en deuda con el sueño de Fröbel, pero hubo otros. Vassily Kandisky, quien se criara en Florencia alrededor de 1870, Johannes Itten, maestro de morfología en la Bauhaus, fue maestro fröebeliano en Viena antes que Walter Gropius lo invitara a Weimar en 1919, Piet Mondrian fue maestro de dibujo de escuela primaria en Holanda y los ejemplos se multiplican. Con su tácita aceptación de la abstracción, el kindergarten formó en marco de gran diversidad intelectual y un razonamiento no convencional, y por su configuración y práctica diaria no difirieron mucho de lo que después fueron los cursos preparatorios para las escuelas de arte o arquitectura. Finalmente, lo que la primera gran generación del kindergarten produjo fue la transformación sistemática de los Dones de Fröbel en un tipo de expresión geométrica asociada con un nuevo tipo de arte: el arte del movimiento moderno.

La vida es un soplo

Proyeccion : el martes 11/08 a las 20hs. en el Colegio de Arquitectos

"Mientras algunos sólo se ocupan de la fabricación de armas que siembran la muerte y la destrucción, los arquitectos construyen casas, fábricas, hospitales, escuelas, universidades... Son la antítesis de la destrucción, de la pobreza y de la incomodidad. Oscar Niemeyer es el mejor símbolo de una arquitectura que es conciente de su papel social, su verdadera función". Jorge Amado

Un documental retrata la vida de Oscar Niemeyer en un soplo de 90 minutos.


RÍO DE JANEIRO.- 'Oscar Niemeyer: la vida es un soplo' es el nombre de un documental de 90 minutos cuyo estreno está previsto para el próximo viernes en los cines brasileños. Retrata la obra, la vida y la firme opción política de este arquitecto, humanista y comunista que el próximo 15 de diciembre cumplirá 100 años.
Además de las obras arquitectónicas de Niemeyer, de las que el propio autor comenta cómo las concibió, el filme muestra a un genio humano que ama a las mujeres -hasta el punto de haberse casado a los 98 años a escondidas de su familia- que tiene pánico de los aviones y que nunca desistió de su opción por el comunismo.
El título del documental procede de una declaración en la que el propio Niemeyer asegura que la vida es un soplo y que por eso hay que aprovecharla.
El filme, con dirección y guión del documentalista brasileño Fabiano Maciel, aprovecha los testimonios informales del arquitecto sobre su obra, la política, los amigos, las mujeres y Brasil para trazar el perfil de Niemeyer, complementado por testimonios de personajes que lo conocieron como José Saramago y Eduardo Galeano.
Saramago, otro comunista y humanista, habla sobre la integridad y la coherencia del arquitecto, y Galeano lo pone todo cabeza abajo y asegura que Dios se inspiró en el arquitecto cuando creó la geografía de Río de Janeiro.
"Es conocido que Oscar Niemeyer odia el capitalismo y odia el ángulo recto. Contra el ángulo recto, que ofende el espacio, él ha hecho una arquitectura liviana como las nubes, libre, sensual, que es muy parecida con los paisajes de las montañas de Río de Janeiro, montañas que parecen cuerpos de mujeres acostadas, diseñadas por Dios el día en que Dios creyó que era Niemeyer", afirmó Galeano.
Personajes y amigos
Además de los testimonios del Nobel portugués y del escritor uruguayo también hablan del arquitecto personajes como el historiador Eric Hobsbawn, el ex presidente portugués Mario Soares, el cineasta Nelson Pereira dos Santos y el cantautor Chico Buarque.
La película será proyectada el miércoles en una sesión especial en el Congreso brasileño, cuya sede es obra del arquitecto, y comenzará a ser exhibida a partir del viernes en el circuito comercial de las ciudades de Río de Janeiro, Sao Paulo, Belo Horizonte, Brasilia, Porto Alegre y Curitiba.
El documental es lanzado en el año en que todo Brasil conmemora el centenario de uno de sus mayores genios, pero comenzó a ser producido hace diez años como un documental que homenajearía a Niemeyer por sus entonces 90 años.
El propio arquitecto revela en la pantalla el secreto de su longevidad: "las mujeres".
Las mismas mujeres que lo llevaron a revolucionar la arquitectura con una protesta contra los ángulos rectos para suprimirlos por curvas, como las formas de las mujeres, y que lo llevaron a agotar todas las posibilidades del hormigón armado.
En sus testimonios Niemeyer comenta algunas de sus obras más famosas, como la sede del Partido Comunista Francés y la de la Editora Mondadori en Milán.
En su perfil de contestatario, Niemeyer aprovecha las entrevistas para criticar la burguesía, el capitalismo y los medios de comunicación, y para reiterar dice que está cansado de tener que explicar todo lo que hace o dice.
Apoyado por imágenes de archivo raras e inéditas, el filme narra las amarguras que el arquitecto sufrió por decirse comunista durante el régimen militar que gobernó Brasil entre 1964 y 1985.
"Cuando me encomiendan un edificio público, intento hacerlo bonito, diferente, que genere sorpresa. Porque sé que los más pobres no van a disfrutar nada, pero ellos pueden detenerse para verlo y tener un momento de placer, de sorpresa. Es esa la forma en que la arquitectura puede ser útil", asegura Niemeyer.“No me atrae el ángulo recto ni la línea dura e inflexible creada por el hombre, lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida, y las del universo".

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Notas sobre el documental “La vida es un soplo”.

Por el Arq. Paulo Scarlato

Del documental visto hubo dos cosas que me impresionaron.
Por un lado la forma de ejercer la arquitectura que tiene un personaje como Niemeyer, tan distinta de lo que vivimos nosotros todos los días, y me hace pensar de que tal vez nos encerramos en laberintos creados por nosotros mismos y del que no podemos ni queremos salir. Al ver esta reseña de la vida de Niemeyer me doy cuenta de que es posible conjugar el ejercicio de la profesión con la posibilidad de cumplir algunos deseos planteados en el momento de la elección de la vocación o que fueron surgiendo en la época de la facultad y sentir satisfacción por con los objetos que producimos, tanto sea por logros estéticos, o bien porque defendamos determinados valores. Lo que me hace pensar para QUIEN trabajamos y para QUE trabajamos.
Vemos que Niemeyer tiene una forma de hacer arquitectura a través de hacer CIUDAD, es decir hacer arquitectura para el conjunto de una sociedad; y no pensada como un producto para el INDIVIDUO que puede pagarla y cuyos fines son o bien de especulación inmobiliaria o en el mejor de los casos para satisfacer las NECESIDADES CREADAS de POSECION, APARIENCIA y PERTENENCIA. Cuando Niemeyer afirma que la forma en que puede ser útil la Arquitectura es para lograr que tengan un momento “de placer” aquellos que no tiene la posibilidad de “disfrutar de nada”, nos esta dando una lección de humanismo, que bien podría ser la única cosa a aprender de aquel movimiento al que pertenece que es la VANGUARDIA MODERNA.

Por otro lado me llamó la atención el hecho de la utilización de las formas curvas que Niemeyer dice encontrar en las montañas de su país.
Pienso que eso esta muy lejos de lo que hacemos todos los días. No veo mal la utilización de líneas Rectas y ángulos a 90º, que es la primera forma que se nos ocurre al pensar en un proyecto, esta es nuestra forma de “pensar”.
Ante esta utilización de Niemeyer de CURVAS armónicas, únicas y contundentes, provenientes de paisajes naturales y con la característica proyectual de “gestos”, que paradójicamente provienen de un “hacer” a través del trazo a MANO ALZADA y que nada tienen que ver con las nuevas tecnologías de diseño, que utilizan la computadora con las simulaciones 3D para crear formas CURVAS inverosímiles. Nosotros, en nuestro diario hacer a través del AUTOCAD y su forma recta y dura de dibujar quedamos en una especio de INTERMEDIO entre el croquis a mano alzada de Niemeyer y lo ultra nuevo de diseño en 3D; con unas curiosas líneas rectas, que son las que elaboran nuestro pensamiento a priori, tan automáticamente que la línea recta tiene las características de un AXIOMA.
No se trata de cambiar las RECTAS por CURVAS, sino de utilizar las líneas rectas porque la “elegimos” siendo conscientes de que allí donde pusimos una RECTA IMPLACABLE bien podría haber sido una CURVA con su SENSUALIDAD y MOVIMIENTO.


(*) El arquitecto es miembro del GRUPO Alras

CICLO DE CINE 09

La idea es ver si podemos charlar, distendernos y apropiarnos, desde otros lenguajes, de ideas para hablar sobre arquitectura:

Veremos si esta propuesta logra el efecto deseado, por ahora es parte de un proyecto que juntos tendremos que armar.
los esperamos.
Grupo Alras

Dia de Muestra

Así quedo instalada la muestra sobre la ciudad en el salon del colegio de Arquitectos.

El grupo Alras intentando dar el puntapie a nuevas acciones y proyectos, instando a los colegas a sumarse a lo que vendra.

el publico en general acepto la invitación y recorrió la muestra entre lo conocido y lo nuevo por ver.

Lo interesenta fue el intercambio y conocimiento de un nuevo lugar de encuentro y reflexion, bienvenido sea el nuevo espacio.

GRACIAS a todos los que hicieron posible este primer encuentro